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Ut pictura poesis

Nella sua Ars Poetica, nota come Epistula ad Pisones, il poeta latino Orazio Flacco paragona la poesia alla pittura. Ut pictura poesis: la lettura di una poesia, infatti, mentre ti regala l’armonia dei fonemi, ti suggerisce immagini le più diverse come se il suono si trasformasse in pennellata e la poesia gradualmente acquistasse i colori di un quadro.

Già prima di Orazio, Aristotele aveva colto la relazione tra la poesia e la pittura, intesi come due codici espressivi diversi e, allo stesso tempo, come due modalità analoghe nel trasferire l’io e la natura in arte, quale sinolo di materia e forma, di potenza e atto. Se il poeta affida alla parola l’eco del proprio sentire, facendolo evaporare in note ora lievi ora gravi a seconda della scala musicale delle vibrazioni del suo animo, la pittura è la risposta a una profonda esigenza epifanica, che si risolve nel tradurre in colori ciò che è verbalmente inesprimibile.

William Blake, poeta romantico inglese, scriveva le poesie e poi le dipingeva a mano sulle stesse pagine, unendo poesia e arte visiva (Songs of innocence and of experience). Così Dante Gabriel Rossetti, fondatore della Confraternita dei Preraffaelliti, pittore e poeta, spesso dipingeva quadri ispirati alle sue stesse poesie o a quelle di Dante Alighieri. Il padre del Futurismo, Filippo Tommaso Marinetti, disponeva le parole nella pagina come se fossero elementi pittorici, tecnica già sperimentata dal poeta siceliota Teocrito col suo carme figurato La zampogna, in cui disegna l’oggetto con i versi disposti in modo tale da riprodurre la forma dello strumento del dio Pan.

Comunicare con Muse diverse, per esprimere l’intima realtà, è proprio degli artisti di profondo sentire, che ricorrono alle arti più varie contemporaneamente per tradurre le proprie emozioni con codici diversi ma interagenti tra significato e significante.

Gisella Pipitone, poeta e pittrice, offre al lettore le modulazioni del suo animo attraverso le memorie, il recupero nostalgico delle esperienze vissute, il suo modo di confrontarsi col mondo che la circonda e ciò avviene con toni delicati, con un linguaggio piano e, allo stesso tempo, vibrante di emozioni, limpido e deciso come un acquarello, ora fortemente pittorico, ora simbolicamente allusivo. L’atmosfera lirico-pittorica indulge a reminiscenze crepuscolari: “aria grigia, gabbiani immobili nel cielo … l’orologio della loggia che batte il tempo … il lamento del semenzaro … l’odore di alghe morte ” fanno da sfondo alla Settimana di passione e allo scorrere lento della barocca processione dei misteri che si snoda per le strade di Trapani il Venerdì Santo. Così pure echi del movimento crepuscolare giungono dalle “statue senza sguardi”, dalle “panchine vuote/ tra le erbe alte” nei giardini solitari immersi in una atmosfera autunnale.

La scelta linguistica di una terminologia incline al gioco onomatopeico e alle allitterazioni avvicina il testo Autunno nei giardini pubblici ad alcuni versi degli Ossi di seppia di Montale: … silenzi rotti/ sommessi gorgoglii/ con lo scrocchiare/ di rosseggianti foglie morte!/ O alberi rugosi/ alzate i rami all’ultimo riverbero del sole”. Il ripetersi della consonante liquida /r/ smorza il lirismo e richiama il lettore al realismo delle antitesi che la natura pone innanzi ai nostri occhi.

L’atmosfera lirica della poetessa Pipitone ci richiama alla memoria i toni dimessi, grigi e malinconici di tante liriche del poeta trapanese Tito Marrone (1882-1967), considerato autorevole precursore della poesia crepuscolare e animatore del movimento dei Crepuscolari a Roma.

Non mancano nel processo di interazione con la natura echi profondi di dimensione quasi religiosa. La natura in tutte le sue manifestazioni comunica qualcosa di intimo alla Nostra, sicché le forme e i colori, i suoni e i tratti pittorici si fondono in un solo enunciato. Si legga La Ninfea :

“Di roseo colore/ su una foglia a piattello/ sospesa tra l’acqua/ e il cielo/ la ninfea sta/ come ai miei pensieri … “ . La similitudine coglie l’essenza della vita: una foglia sospesa tra l’acqua e il cielo, dove l’acqua è la sorgente generatrice della nostra esistenza e il cielo coglie l’ingenuità di un’anima che tende verso l’eterno.

Il topos della foglia, presente nella lirica greca, si pensi a Mimnermo, è la metafora della fragilità e la caducità della vita, e continua con toni e accenti differenti ad essere utilizzata dai poeti contemporanei, come Ungaretti in Soldati: Si sta/come d’autunno/sugli alberi /le foglie. Sennonché, in Gisella Pipitone la tragica esperienza della trincea sofferta da Ungaretti assume il colore roseo di un invito alla vita, dal momento che la foglia  è essa stessa testimonianza di vita.  Tutta l’esistenza è in quella pittorica descrizione della ninfea, correlativo oggettivo montaliano, cui la Pipitone affida i suoi sogni che si colorano della leggiadria del rosa pastello del primo chiarore del giorno, metafora cromatica, che evoca grazia e pudore, speranza e illusione.

Nell’antichità classica la poesia e la pittura erano considerate “arti sorelle”. Il poeta lirico Simonide di Ceo del VI secolo a.C.  definì la pittura come “poesia muta” e la poesia come “pittura che parla”.

Entrambe, e l’arte visiva e l’espressione letteraria, partendo dal fatto mimetico, mirano nelle poesie della Nostra ad evocare stati d’animo, sensazioni, immagini che permettono alla mente di spaziare nell’infinito.

La cifra prevalente dell’arte poetico-pittorica di Gisella Pipitone è data dal silenzio che avvolge e protegge gli oggetti: i fiori nei vasi, i tenui colori autunnali, la fuga dell’acciottolato delle stradine ericine, gli scorci paesaggistici vivono come soggetti autonomi, come presenze compiute che non hanno bisogno d’altro per esistere, avvolti in un loro pudore esistenziale al di là del tempo. (La nebbia)

Eppure in tanta solitudine si avverte ora la nostalgia di chi non è più partecipe di quella realtà, ora il desiderio di una nuova presenza, di un incontro improvviso segnato dall’apparire di un eroe sognato che giungesse da lontano, come in Incontri: “Volerlo incontrare/ ed incontrarlo/ aver paura di vederlo/ in ogni scintillio d’occhiali/. Sbiancare ed arrossire entrambi; / pulsano le tempie/ manca il respiro/ sbatte il mio cuore, quasi aliscafo che plana/ sul mare … “. I versi richiamano immediatamente alla memoria il carme della poetessa Saffo, tradotto da Catullo,  la quale in maniera sublime e drammatica descrive l’epifania della passione amorosa. Nella Nostra il palpito del cuore ha, però, un esito diverso. La passione struggente della poetessa di Lesbo, gelosa del suo amore, in Incontri assume i toni delicati di un sentimento fatto di “parole non dette e disperse/ dall’uragano nella lunga tempesta”, che porta il cuore di colei, che per un attimo ha provato il fremito di un incontro non vissuto, ad “approdare alla quiete innocente/ di un non conosciuto amore”.

Gisella Pipitone non si limita ad osservare ma possiede il dono dell’intuizione. Intuire significa andare dentro alle cose, coglierne l’essenza e tradurre il mondo attraverso la propria sensibilità poetica. Gli oggetti acquistano una dimensione che va oltre la loro fredda percezione sensibile e, pur rimanendo nel campo del reale, si vestono del vago e dell’indefinito, suggerito dal recupero memoriale che richiama la visione poetica leopardiana. Così nel Ricordo di un crepuscolo sulla spiaggia, cielo e mare si fondono di perleo celeste, con effetti pittorici delicati che scolorano, mentre il tramonto è annunciato dal cessare delle voci del giorno luminoso e sonoro. Gli oggetti si correlano al crepuscolo: gli ombrelloni si chiudono come i fiori che la sera piegano i le loro corolle, cessa il suono dei tamburelli e solo lo sciacquio di un solitario nuotatore partecipa del silenzio crepuscolare.

La realtà, da cui la poetessa Gisella trae ispirazione con l’animo ogni volta aperto al mistero, va oltre il significante percepito e l’elemento poetico non si coglie solo nei fonemi che compongono la parola, ma è presente anche nella sua veste cromatica. Eppure, anche quando il pennello e la parola sembrano indulgere a descrizioni realistiche, queste si ammantano di movenze psicologiche, in cui la Pipitone riflette le tracce della sua esistenza, sicché il sentimento e la tensione psicologica, suggeriti dal momento vissuto, creano un felice chiasmo di affetti e ricordi.

La metafora del viaggio rappresenta l’archetipo della vita. Così la lirica della nostra poetessa nel suo Viaggio descrive gli oggetti che sfuggono durante il tragitto come atomi di un’esistenza che passa. Da Omero al Foscolo il viaggio come metafora universale parla linguaggi diversi: ora indica il trascorrere del tempo, ora il desiderio di allontanarsi per vivere esperienze nuove, ora la fuga dal reale, ora l’ansia di un approdo sicuro come nell’Itaca di Costantino Kavafis, laddove il poeta greco augura di affrontare il lungo viaggio della vita senza timore se tu, lettore, vuoi che “un nobile sentimento fisserà il tuo cuore e il tuo spirito”.

Ha fine il viaggio/e si rientra nel presente : e il presente è la sua Itaca: questi due versi chiudono il Viaggio di Gisella Pipitone.

L’arte della Pipitone esprime la nitidezza di un animo incontaminato dallo scorrere el tempo grazie al candore di un’anima libera. Sono queste le doti di chi ha familiarizzato fin dall’adolescenza con le figlie del Parnaso. Da qui, dal fluire naturale dei versi, il lettore è indotto ad apprezzare la maturità di una poetessa che sa donare melodia alle parole. Tale melodia scaturisce dalla loro disposizione metrica, che sa conferire al verso la sonorità di un canto ora dolce ora malinconico, ora luminoso ora crepuscolare.

Del resto è la stessa Pipitone che dà la sua definizione di artista attraverso un ossimoro: l’artista vive “per l’arte/ ma non per la vita … prigioniero sul fondo di uno stagno meraviglioso” (Artista).

Il commento e la lettura delle poesie, abilmente e amorevolmente recitate, hanno richiesto un richiamo costante alla sensibilità cromatica di Gisella Pipitone. E non poteva essere diversamente per un’intellettuale che ha espresso e maturato le sue inclinazioni naturali presso l’Accademia delle Belle Arti di Palermo e che ha dedicato il suo magistero all’insegnamento di Disegno e Storia dell’Arte negli Istituti Superiori. Le poesie della raccolta sono, infatti, intercalate da acquarelli che possiedono una loro leggerezza poetica tale che l’immagine sembri essere dipinta non col pennello ma con un soffio di colore. La realtà risponde ad accordi cromatici delicati che creano un’atmosfera suggestiva, evanescente tra sogno e realtà, come l’acrilico su tavola che ritrae la via Conte Hernandes di Erice o la via dell’arco romano a Narni. Zinnie, anemoni, cardi, l’olio della Natura morta con vischio (!° Premio al concorso Veritas, Diocesi di Trapani, Giugno 1957) appaiono uscire senza filtri dal pennello, che con grazia depone il colore. La policromia si espande spontaneamente sul foglio, sì da far trasparire la visione tridimensionale degli oggetti. La tecnica grafica scelta da Gisella Pipitone per rappresentare L’ultima cena e La maternità privilegia invece del colore il chiaroscuro a tratteggio con sfumature monocrome. Il disegno si sofferma sui tratti essenziali, alternando i valori tonali del bianco del supporto, dal grigio tenue al nero intenso, con un gioco chiaroscurale che conferisce profondità alla raffigurazione. La grafica dell’Ultima cena è collocata nella sacrestia della Chiesa parrocchiale di Paceco, mentre La maternità, notevole per la leggerezza del tratto, che non tradisce la pressione della mano dell’artista, ha meritato il Premio “Mater Copertina”al concorso nazionale di Carrara del 1981.

Il premio che noi amici di Gisella vogliamo questa sera tributare alla poetessa e alla pittrice è l’affettuoso applauso che nasce dal ricordo indelebile della sua bravura artistica e soprattutto della sua ricca e dolce umanità.

Villa Pampalone, 4 Settembre 2026                      Antonino Tobia

Si riporta qui di seguito, l’interessante relazione di Antonino Tobia tenuta il giorno 5 giugno 2026 in occasione della chiusura del nostro Anno accademico.

Sotto l’imperatore Traiano nel 115 d.C., l’impero romano conobbe la sua massima espansione. L’impero si estendeva dalla Scozia fino ai confini dell’Iran e dal deserto del Sahara fino al Mare del Nord. Era popolato da genti diverse per usi costumi,lingua e caratteri somatici: uomini del Nord, alti, robusti, biondi, popolazioni asiatiche, del Medioriente, dell’Africa con lineamenti e colore della pelle particolari.Ovunque la lingua ufficiale era il latino, anche se i volgari dei diversi gruppi etnici continuavano a persistere nel linguaggio parlato. Un unico sistema giuridico governava l’impero romano, strutturato dalle leggi, dalla efficiente organizzazione politica, sorretto dalla potenza militare delle legioni che stazionavano nei punti nevralgici dell’impero, a difesa dei confini. Si trattava di una forza militare di circacentonovantamila uomini, soldati effettivi, cui si aggiungeva il numero degli ausiliari,cioè dei sodati che venivano forniti dalle popolazioni delle province. Così, al suo comando l’imperatore disponeva di circa quattrocento mila uomini armati.Un impero così immenso era scarsamente popolato. La popolazione non superava icinquanta milioni di abitanti, sparsi in piccoli borghi, villaggi, immense villepadronali. Si stima, però, che Roma contasse circa un milione e mezzo di abitanti,provenienti da tutti i lati dell’impero, artisti, filosofi, letterati, medici, oratori, operai,artigiani, aristocratici e plebei, schiavi, liberti, gladiatori e prostitute. Romarappresentava un unicum irripetibile nella storia dell’umanità.La grande metropoli, capitale dell’impero, era il centro di una rete viaria che siestendeva per circa centomila chilometri in tutte le direzioni.Ma come si svolgeva la vita quotidiana in questa città cosmopolita?1 <_div>Le fonti letterarie e storiografiche dell’antichità – da Svetonio a Marziale, da Plinio il Vecchio a Giovenale, ad Apuleio – restituiscono un quadro articolato, che ciconsente di affacciarci e di curiosare all’interno del modus vivendi quotidiano di una società che ha plasmato le fondamenta della cultura occidentale.La vita a Roma era caotica, un misto di sfarzo monumentale e diffusa miseriaurbana- La maggior parte dei Romani viveva in insulae, affollati agglomerati urbanicostruiti di legno e di mattoni, privi di acqua corrente, scarsamente illuminati, con poco spazio abitativo. Ciò contrastava con le lussuose ville dei potenti, le cui domus erano provviste di quanto la civiltà del tempo poteva fornire di comodità. Le strade erano affollate, polverose, rumorose sporche e diventavano pericolose di notte, ma Roma era dotata di una rete fognaria, la cloaca maxima e di acquedotti monumentali che garantivano l’approvvigionamento idrico grazie alle numerose fontane pubbliche. Di questa metropoli è interessante cogliere alcune spigolature divita quotidiana nei primi anni dell’Impero, cominciando dal mattino.Gli antichi Romani non facevano colazione appena alzati nelle prime ore del mattino.Il primo pasto della giornata, chiamato ientaculum, era considerato del tutto trascurabile dalla maggior parte della popolazione, anche perché non potevano permetterselo. Molti si limitavano a bere un bicchiere d’acqua al risveglio e si recavano al lavoro, spesso consumando durante la strada uno spuntino veloce, loientaculum ambulatorium. La colazione, per chi poteva consumarla, era in ogni casoveloce, fatta generalmente di alimenti freddi e frugali, per lo più pane e formaggio,qualche ortaggio e qualche frutto. Si trattava di un pasto leggero, un piccolo pastosenza pretese (levis cibus). La padrona di casa, che non era occupata in faccende ooccupazioni esterne, si rifocillava verso le nove con quanto aveva a disposizione, di solito con i resti della sera precedente, dopo avere sbrigato, aiutata da qualche schiava, in alcune faccende domestica: nettare il pavimento, lavare i pochi panni sudici, rimettere l’olio nella lucerna, prendersi cura delle piante e degli animali che teneva con sé, procurarsi l’acqua dalla fontana della piazza vicino casa, filare la lana:Casta fuit lana fecit domum servavit : era l’epitaffio più comune per una brava moglie.Diversa era la colazione di chi gestiva il potere. Svetonio nella Vita dell’imperatoreVitellio (2,13) così descrive le abitudini alimentari dell’imperatore: Faceva sempretre o quattro pasti al giorno, distinguendoli in colazione (ientacula), pranzo (prandia)4 e cena seguita da festino (caenas comissationesque). Famosissima fu una cena di benvenuto organizzatagli dal fratello Lucio per il suo arrivo a Roma. Furono servite due migliaia di pesci sceltissimi e sette mila uccelli. Nell’occasione, veniva inaugurato un vassoio di enorme dimensione, battezzato il clìpeo di Minerva, in cui furono serviti fegati di scari, pesce prelibatissimo del mare egeo, cervelli di fagiani e di pavoni, lingue di fenicotteri, lattume di murene.Le murene venivano allevate in apposite peschiere con costi altissimi. Famose eranole peschiere di Lucullo. Anche Apicio, il più grande esperto di cucina romana, chevisse sotto il principato di Tiberio (14-37 d.C.) si dice che spendeva immense fortuneper allestire i suoi banchetti. Quando scoprì che gli erano rimasti solo dieci milioni disesterzi, temendo di non potere continuare a vivere secondo lo sfarzoso suo stile divita, preferì suicidarsi. Nella sua raccolta di ricette gastronomiche, De re coquinaria,Apicio riporta il maiale alla Frontino, un piatto molto complesso: il maiale veniva rosolato e poi stufato in una miscela di garum ( macerazione in salamoia di interioradi pesci vari, preferibilmente di alici), mosto cotto concentrato, pepe, sedano,cumino, anice). Il piatto veniva servito cosparso da una salsa vellutata a base diamido. Famoso anche il Tortino di pere: le pere venivano bollite a fuoco lento conpepe, cumino, miele, vino passito, garum e un po’ di olio. Il tutto veniva passato, conl’aggiunta delle uova per rassodare il composto e preparati metteva a cuocere afuoco lento. Si serviva con una spolveratina di pepe nero tritato. Il garum era ilsegreto delle ricette di Apicio, perché conferiva sapidità ai cibi. I gusti dei nostriantenati erano diversi. Per esempio, faceva impazzire i romani la crema di pere con pepe e salsa di pesce fermentato.Famosa la cena di Trimalcione di cui parla Petronio nel Satiricon. Il protagonistaTrimalcione è un ex schiavo arricchito, rozzo che vuole sconfiggere la paura della morte con lo sfarzo smodato e l’ostentazione volgare della sua ricchezza attraverso5 <_div>la stragrande abbondanza di pietanze dai gusti più contrastanti e con un apparato scenico che doveva stupire.Il banchetto del liberto arricchito presentava vivande di ogni genere, ogni sorta dicarne, pesci, uccelli rari, galline faraone, vini italici e stranieri.I ricchi e i potenti romani consumavano la cena nel triclinium, la sala da pranzoufficiale della domus, caratterizzata dalla presenza di tre letti disposti a ferro dicavallo intorno ad un tavolo centrale. I commensali mangiavano sdraiati, poggiandoil gomito sinistro su un cuscino e servendosi il cibo con la mano destra. I banchetti duravano diverse ore dal pomeriggio fino a tarda notte, si discuteva, si scherzava ed era rallegrato da brindisi, musici, balletti, giochi come il cottabo. Era una gara diabilità, introdotta a Roma dai Siciliani della Magna Grecia, e aveva una direzione erotica: il giocatore dedicava la sua vittoria ad un amasio da cui si attendeva ricompense amorose.Durante i banchetti il rutto era apprezzato come un segno di gradimento per il cibo edi apprezzamento verso l’ospite. Pare che l’imperatore Claudio, afflitto da cattivadigestione, avesse meditato un editto per concedere licenza di lasciare uscire fuoridurante il pasto le flatulenze dello stomaco e i crépiti del ventre (licentia emittendiflatum crepitumque ventris), per evitare che qualcuno corresse pericolo dall’essersiper vergogna trattenuto (Svetonio, Claudii vita, 32). Gli avanzi e i resti del cibo venivano gettati direttamente sul pavimento dal triclinium, che venivaimmediatamente ripulito dagli schiavi o dagli animali che si aggiravano nella sala.Tornando a parlare dei comuni mortali, questi neppure per il prandium preparavanocibi a casa. Consumavano solo alimenti pronti all’uso, freddi e veloci acquistati nelletabernae o, come il pane, nei forni pubblici. Le case dei poveri erano piccole, e leinsulae per il rischio di frequenti incendi non potevano disporre di forni.Solo i più abbienti consumavano cibi cotti, elaborati e cotti nel forno della lorodomus dai loro schiavi.6 <_div>L’igiene mattutinaLe abitudini igieniche dei Romani differivano radicalmente dalle nostre.Abitualmente i Romani non si lavavano appena alzati dal letto. Indossavano la tunicae si recavano nel foro o a svolgere determinate mansioni quotidiane. Nel tardopomeriggio si recavano alle terme per le abluzione ma anche per rilassarsiconversando del più e del meno.Le prime terme pubbliche nacquero a Rome nel II secolo a,C, come evoluzione deisemplici bagni greci di piccole dimensioni (balneae). Il primo grande complessotermale sorse nel 25 a,C, con l’inaugurazione delle terme di Agrippa.Le terme erano alimentate da un flusso costante di acqua e da un sistema diriscaldamento poderoso. L’acqua proveniva dagli acquedotti e attraverso tubaturedi piombo veniva indirizzata verso le terme. L’acqua veniva riscaldata da grandi fornialimentati a legna e carbone. L’aria calda circolava nell’intercapedine sotto ilpavimento e risaliva lungo le pareti. Così l’intero edificio veniva riscaldato e ilpavimento si riscaldava al punto che bisognava indossare piccoli zoccoli di legno pernon scottarsi i piedi.Le terme rappresentavano il cuore pulsante della vita sociale. Non erano solo unluogo deputato alla pulizia corporea, ma in esse erano comprese, palestre,biblioteche, giardini, spazi per giocare. Nelle terme ci si incontrava per trattareaffari, stringere accordi, discutere di politica, si leggevano le ultime pubblicazioni dipoeti e scrittori che sceglievano le terme per far conoscere le loro opere. Eranoluoghi molto affollati e rumorosi. Seneca ( Ep. Ad Lucilium 56), che abitava sopra unostabilimento termale a Baia, lamentava il frastuono che giungeva alle sue orecchie enon sopportava le urla di chi si sottoponeva alla depilazione di esperti alipili che7 <_div>strappavano con energia i peli superflui degli avventori, soprattutto sotto le ascelle.Come pure gli giungevano insopportabili i sibili e i respiri affannosi degli atleti comeil rumore delle mani dei massaggiatori sulle spalle dei clienti, suoni diversi, precisaSeneca, se erano prodotti da mano piatta o da mano concava.Una figura centrale della società romana era quella del tonsor, il barbiere.La bottega del barbiere chiamata tonstrina era un centro di aggregazione e dipettegolezzo. Mutatis mutandis, è cambiato ben poco. Il tonsor era spesso uno schiavo o un liberto che aveva messo su bottega e si era anche arricchito se le sue qualità artigianali lo avevano messo in luce presso i signori. Non si limitava al tagliodei capelli, radeva la barba, curava le unghie dei clienti. Il rasoio di ferro (novacula).Le forbici e le pinzette erano i suoi strumenti essenziali. I ricchi potevano anchedisporre di un barbiere personale, uno schiavo specializzato che viveva nella casa delpadrone. La rasatura era molto lenta e dolorosa perché, in assenza di sapone odischiuma da barba. il tonsor bagnava la pelle del cliente esclusivamente con acquaprima di procedere con la novacula, e la lama del rasoio non sempre eraaffilata. Marziale, nell’Epigramma 11,84, descrive ironicamente il barbiere Antiococome un carnefice e si lamenta delle ferite inflitte durante la rasatura sul suo viso,che grossolanamente venivano saturate con ragnatele imbevute di olio o aceto,sicché la cura era peggiore del danno. La rasatura, infatti, procedeva a secco senza sapone o schiuma da barba e, aggiunge Marziale, considerato il numero dei tagli, era meglio affidarsi ad un chirurgo dato che le ferite richiedevano più punti di sutura cheuna battaglia. Secondo Plinio il Vecchio (Naturalis Historia, VII, 211), i primi barbieri giunsero a Roma dalla Sicilia nel 299 a.C..Giulio Cesare era estremamente meticoloso nella cura del corpo, si radeva la barba e si depilava con le pinzette. Anche i suoi legionari, come riferisce Svetonio (De vitaCaesarum), amavano molto l’igiene, amavano profumarsi ma erano invincibili unbattaglia.La prima rasatura di un giovane assumeva un solenne valore rituale. La barba venivaraccolta in una pisside più o meno pregiata e offerta agli dei. La depositio barbae rappresentava il passaggio dalla adolescenza all’età adulta, come la cerimonia solenne della toga virile. Svetonio, nel capitolo De vita Caesarum, Augustus, 79, citramanda che l’imperatore Ottaviano Augusto, schivo di qualsiasi ricercatezza eincurante dell’acconciatura del capo, si metteva di sfuggita nelle mani dei parrucchieri e, mentre si faceva tagliare i capelli e radere la barba, leggeva o scriveva qualcosa. Il barbiere in questo caso doveva essere molto abile a non arrecare sofferenza all’illustre cliente. Ottaviano tagliò la sua prima barba a 24 anni e organizzò un evento pubblico per l’intera città. Nerone, (Svetonio, Neronis vita,12.4 ), depose la sua prima barba durante una gara ginnica nel Campo Marzio, la chiuse in una pisside d’oro adorna di preziosissime perle e la consacrò a GioveCapitolino nel corso di un solenne sacrificio.I romani facoltosi curavano i capelli con le tinture per nascondere la canizie, comepure chiedevano al loro barbiere di adornare di riccioli il loro capo col ferroriscaldato, per sembrare più giovani e più interessanti.Giulio Cesare, per dissimulare la calvizie, utilizzava il riporto dei capelli in avanti dalletempie e indossava spesso la corona d’alloro che gli permetteva di coprire la frontee la sommità del capo.I romani usavano lavarsi i denti con i dentifricia, fatti di polvere e pasta abrasivapreparati con ossa tritate, pomice, gusci d’uovo o di ostriche, impastati con il mieleo con resina o vino. Spesso usavano l’urina fermentata come collutorio persbiancarli grazie all’ammoniaca. Catullo nel carme 39 del suo Liber con taglienteironia prende in giro l’amico Egnazio che rideva sempre, sia che si trovasse accusatoin tribunale, sia che assistesse al dolore di una madre disperata per la morte del suounico figlio posto sul rogo. Quidquid est…renìdet per mostrare il candore della suachiostra dentaria. Egnazio soffre di questa patologia, un vero e disgustoso morbusche lo induce la mattina a sciacquarsi i denti e le gengive con l’urina della sera primaper apparire una persona elegante e raffinata. Conclude Catullo:risu inepto resineptior nulla est: non c’è cosa più fuor di luogo che un riso fuor di luogo. I romaniutilizzavano l’urina anche per lavare i panni. Gli schiavi avevano il compito di portare9 <_div>la mattina in fullonica, la tintoria pubblica, tuniche, toghe, lenzuoli e quant’altro perfare il bucato. Qui i panni venivano immersi in ampie vasche con acqua e urina persciogliere il grasso grazie all’ammoniaca. I tessuti poi venivano sciacquati con acquapulita per eliminare il cattivo odore dell’urina e lo sporco residuo. Usavano l’argillaper ammorbidire e sbiancare i panni, che venivano stesi all’aria aperta e esposti aifumi dello zolfo per la disinfettazione finale. L’urina veniva prelevata da grosse anfore distribuite negli angoli delle strade e soprattutto in prossimità delle fullonicaedove i passanti deponevano il loro bisogno.Il make-up mattutino della donna era molto complicato. Della domina si occupavano anche tre schiave, ornatrices, per curare la bellezza delcorpo. Con un bastoncino di carbone la schiava allungava le sopracciglia, mentre per delineare gli occhi ricorreva all’inchiostro di seppia o nerofumo prodotto da datteriarrostiti. La padrone seguiva con uno specchio di bronzo l’esattezza di ognioperazione. Sul volto venivano impiegati vari unguenti per il fondotinta e, inparticolare, creme fatte di miele, sostanze grasse e biacca, un pigmento inorganico velenoso costituito da carbonato basico di piombo, che conferisce un colore bianco caldo e luminoso al volto. Il rosso delle labbra era assicurato dal minio, ossido dipiombo, molto tossico. Le ornatrices coloravano di rosso meno acceso anche lepalme dei piedi e le mani e esaltavano i capezzoli della matrona con polvere d’oro. Non mancavano i nei posticci che, a seconda della posizione sul volto, lanciavanodeterminati messaggi d’intesa. Alcuni difetti del viso o del corpo in genere eranocurati col burro per i foruncoli, col bicarbonato di sodio per cicatrizzare piccoleferite, con un estratto di testicoli di toro per curare le infiammazioni cutanee. Una schiava, diversa dalla truccatrice, si occupava dell’acconciatura della sua padrona.Questa sceglieva la parrucca da indossare tra il rosso, Il biondo o il nero, a seconda degli impegni cui doveva attendere, una ricorrenza ufficiale o un invito serale.Durante la giornata mostrava comunque i suoi capelli pettinati, arricciati, ornati dispilloni, nastrini, forcine. Le parrucche erano fatte di capelli naturali, importati eformavano acconciature molto ricche e laboriose con un intreccio di chignon,treccine, nodi, toupet sulla sommità del capo. Le matrone usavano anche tingersi icapelli: di nero con grasso di pecora mescolato con polvere di antimonio, o unamistura di sanguisughe fatte macerare nell’aceto per 40 giorni; di biondo con unamistura di zafferano, calce, cenere, allume, aceto, e derivati del limone, acquadistillata di fiori di ligustro, un arbusto piccolo usato per le siepi nei giardini. L’hennèera molto diffuso, importato dall’Egitto per ottenere sfumature rosse e arancioni. Sitratta di una tintura ricavata dalle foglie essiccate e polverizzate di Lawsonia inermis,un arbusto spinoso originario dell’Africa del Nord. Le prostitute si tingevano i capellidi vario colore, biondo acceso, rosso, e altri colori vivaci per distinguersi dallematrone. I particolari della cosmesi femminile sono poeticamente descritti da Ovidionel poemetto didascalico in distici elegiaci Medicamina faciei. Le donne. come gliuomini, indossavano la stola, una tunica che arrivava ai piedi e su di essa ponevanoun largo scialle rettangolare che scendeva al ginocchio e serviva anche per coprirsi ilcapo quando uscivano in strada. La biancheria intima della donna era costituita dauno slip simile al perizoma maschile e da un reggiseno, una fascia di stoffa o di pelle(mamillare) che veniva imbottito se i seni erano piccoli.Il mosaico di Piazza Armerina dà l’immagine perfetta del bikini che indossavano legiovani donne romane. La tunica era tenuta stretta da due cinture, una sotto il senoper metterlo in evidenza e una alla vita. Le matrone facoltose indossavano diademi,orecchini, collane (monilia), braccialetti e anelli.Nella lingua latina due espressioni fanno riferimento al matrimonio; nubere àlicui educere uxorem. Dal verbo nubere deriva il sostantivo nuptae, nozze,e indica l’atto diprendere il velo di sposa.La sponsa, cioè la promessa, si presentava al futuro marito con il capo e il voltocoperti con un velo color fiamma viva flammeum. La fasi principali erano il12 <_div>fidanzamento (sponsalia con anulus pronubus), la processione festosa cheaccompagnava la sposa alla casa dello sposo col canto imeneo, il rito della soglia,quando lo sposo sollevava la sposa per evitare che inciampasse e lei pronunciava:Ubi tu Gaius, ego Gaia. Esistevano due tipologie di unione: Cum manu, e la donna passava sotto la potestà del marito; sine manu e la donna restava sotto l’autorità del padre, da cui poteva ereditare e perciò essere più autonoma. Col matrimonio l’uomo restava al centro della famiglia. La sposa doveva curarsi della casa,dell’educazione dei figli, di piacere al marito. Lei doveva mantenere la sua onestà edessere fedele, perché nei primi secoli della repubblica un marito tradito poteva uccidere moglie e amanti.Diversa era la libertà sessuale dell’uomo, pater familias. Era suo diritto procurarsi ilpiacere sessuale con altre donne, ragazzi, soprattutto schiave e figli di schiavi. La sola regola da rispettare era che la persona con cui il civis romanus faceva sesso fosse di rango inferiore, non un cittadino romano come lui, e che mantenesse il ruolo attivo. Numerosi erano i lupanari, i bordelli, disposti in fila in alcune zone della città, con ragazze che sorridevano e invitavano i passanti emettendo l’ululato dell’animale; lupa in latino significa prostituta. Può sembrare strano, ma anche i romani usavano il verbo futùere per indicare l’atto sessuale e fututus era sinonimo di strupratus. Il sesso non era un tabù, né era considerato un peccato come nellamorale cristiana. Come abbiamo appreso dagli scavi di Pompei, le scene erotiche di sesso spinto non si trovavano dipinte solo nei lupanari come paradigma del Kamasustra che il bordello offriva, bensì anche nelle case private dei ricchi, che chiamavano pittori validi per istoriare le pareti delle stanze e soprattutto della camera da letto con scene erotiche, visibili anche ai bambini e alle fanciulle, perché non erano considerate pornografiche. Il fallo del dio Priapo era affrescato spesso nell’ingresso come simbolo apotropaico e generatore di prosperità per la famiglia.I romani amavano l’umorismo, la satira, i doppi senso e ridevano prendendo in giro politici, i vizi umani, le deformità fisiche. La commedia plautina è ricca di equivoci anche volgari e il servo era sempre il più astuto e si prendeva beffe del padrone. I fescennini erano versi improvvisati e licenziosi usati come canti rurali propiziatori odi accompagnamento al rito nuziale. Consistevano in scambi di insulti satirici elicenziosi. Alcuni studiosi ne fanno derivare la parola da Fescennium, cittàdell’Etruria, altri dal fascinum, simbolo fallico, che i contadini portavano inprocessione per allontanare il malocchio e garantire il buon esito ai lavori agresti. Il fascinum divinum era custodito dalle Vergini Vestali nel tempio di Vesta. Ai bambini romani veniva appesa al collo una bulla, un amuleto che spesso conteneva piccolisimboli fallici. Il classico cornetto dei nostri giorni.La satira è l’unico genere letterario interamente romano, come annota Quintiliano.Nacque con l’obiettivo principale di criticare i vizi, la corruzione, l’ipocrisia,l’ambizione sfrenata, il lusso eccessivo della società. Lucilio è il padre della satira aggressiva e pungente, poeta dell’età repubblicana che difendeva la libertà di parola stigmatizzando i difetti dei potenti. Riflessiva e ironica diventa in età augustea la satira di Orazio, che sottolinea i vizi umani senza fustigarli. Di cupo moralismo lasatira di Persio; aggressiva, misogina, violenta l’indignatio di Giovenale.Nella satira VI Giovenale si scaglia contro la moglie dell’imperatore Claudio e presenta Messalina come l’archetipo della lussuria sfrenata e della degradazionemorale della casta imperiale. Di notte Messalina abbandonava il talamo imperiale per recarsi in un lupanare. Si travestiva con una parrucca bionda e si avvolgeva inuna cappa per nascondere le sue nobili origini. Col nome Lycisca si offriva ai clienti nuda con i capezzoli dorati ed era l’ultima a lasciare il bordello: ‘lassata viris necdumsatiata recessit’. Giovenale denunciava a tinte forti la corruzione che ormai attraversava tutti i ceti romani, dai bassifondi plebei ai palazzi aristocratici.Messalina era la terza moglie dell’imperatore Claudio. Aveva 14 anni quando andò sposa all’imperatore che ne aveva 48. Tiberio Claudio pare che da ragazzo fossestato affetto da una forma di paralisi, la sindrome di Tourette, un disturbo neurologico caratterizzato da movimenti improvvisi, tic motori e fonici, emissioni disuoni con espressioni ora chiare ora confuse. Aveva un’andatura incerta ezoppicava. Sua madre Antonia, si legge in Svetonio (Claudii vita, 3) , andava dicendo che suo figlio era un mostro d’uomo soltanto abbozzato dalla natura. Dalla sorella Livia era considerato scemo e pensava che sarebbe stata una sorte iniqua averlo come imperatore di Roma.La studiosa di storia greca e romana, Eva Cantarella, considera Messalina una vittimadel potere, un’eroina romantica. Innamoratasi dell’uomo più bello di Roma, GaioSilio, osò rendere pubblico il suo ménage, sposando pubblicamente il suo amante mentre Claudio non era a Roma. Claudio, informatone, la fece mettere a morte a soliventitré anni. Da Claudio aveva avuto Ottavia e Britannico.Dagli antichi fescennini, attraverso la commedia, le satire, il mimo, scorre un filo conduttore, l’italicum acetum che dava vita alla libertà di parola, soprattutto nell’età repubblicana, quando l’umorismo dei romani non aveva freni e poteva colpire anche nobili e uomini potenti.Giulio Cesare accettava le battute pungenti che i suoi soldati gli lanciavano. Il maritodi tutte le mogli e la moglie di tutti i mariti: così i soldati di Cesare schernivano scherzosamente l’attività sessuale del loro generale. Più grave e infamante eral’offesa che gli veniva rivolta riguardo ad un suo rapporto ravvicinato con il re della Bitinia Nicomede IV. Nell’anno 80 a.C. il giovane Cesare era stato inviato in Bitinia,alla corte di Nicomede per ottenere una flotta contro Mitridate, re del Ponto. Poiché il suo soggiorno si era prolungato tra lo sfarzo e la lussuria della corte più del previsto i suoi nemici politici malignarono e misero in giro l’espressione infamante che etichettava Cesare come Regina della Bitinia, accusa di cui Cesare non seppe più liberarsi per il resto della sua vita: Cesare ha sottomesso le Gallie ma Nicomede ha sottomesso Cesare.Se Cesare aveva tollerato tale licenza, non così Augusto che con la Lex Iulia dell’ 8a.C. pose dei limiti morali, come la condanna per adulterio, ma anche sanzioni severe contro i testi e i libelli diffamatori che offendevano la dignità imperiale.Ma battute e barzellette a Roma erano materia di ogni giorno, pe lo più sempre con sottintesi sessuali.Alcuni esempi:Al tempo di Cicerone erano oggetto di battute sferzanti gli Abderiti, abitanti diAbdera una città greca della Tracia, considerati sciocchi, pur avendo dato i natali aDemocrito e Protagora. Erano insomma i carabinieri delle nostre barzellette.SUGLI ABDERITI- Un abitante di Abdera, invitato ad una festa, gli fu presentato un eunuco diprovenienza orientale. Dopo i primi convenevoli l’abderita chiese all’eunuco: Quanti figli hai? Ma io non ho figli, ho dovuto lasciare le mie palle in Persia. Bene, rispose,l’abderita : Quando potrai riavere le tue palle ?.Nell’antica Grecia gli eunuchi non erano frequenti perché non si praticava l’evirazione come nelle corti persiane e orientali. Un giorno, un abderita incontra un eunuco che stava parlando con una donna.Sciocco qual era, gli chiese se fosse sua moglie. Quello rispose che gli eunuchi non possono avere mogli, e l’abderita di rimando: “Allora è tua figlia?”- Un abderita divideva il materasso con un uomo che soffriva di ernia. Durante lanotte, egli si alzò per liberarsi. Quando tornò, accidentalmente (dato che era ancora buio) calpestò proprio il punto dell’ernia. Quando l’uomo emise un urlo, l’Abderita chiese: “Perché non eri sdraiato a testa in su?”. Lo sciocco abderita aveva scambiato l’ernia dell’amico con la testa.SULL’ARGUZIA- A un barbiere chiacchierone che gli chiedeva ‘Come te li taglio?’ un arguto misantropo rispose ‘Stando zitto’.- Ad un insegnante incompetente fu chiesto dall’ispettore come si chiamasse la madre di Priamo. Non conoscendo la risposta, disse: “È educato chiamarla signora”.- Un giovane uomo disse alla sua moglie assetata di libido: “Cosa dovremmo fare,tesoro? Mangiare o fare sesso?” E lei rispose: “Puoi scegliere. Ma non c’è una briciola in casa”.- Un medico scorbutico e guercio chiese ad un malato: ‘Come stai?’ E lui rispose’Come mi vedi’. Allora il medico dice ‘Se stai come ti vedo, sei mezzo morto’.- Un tale con l’alito cattivo incontra un medico e gli dice: ‘Dottore guardi: mi è scesa l’ugola’. Non appena apre la bocca, il medico si volta dall’altra parte ed esclama:’Non ti è scesa l’ugola, ma ti è salito il culo’.- Il filosofo Crates, quando ebbe visto un giovane che camminava da solo, gli chiese cosa stesse facendo da solo in quel luogo. “Parlavo da solo”. Al che Crates disse:”Attento, stai molto attento: sei in cattiva compagnia”.Queste barzellette si trovano nel Philogelos, antica raccolta di barzellette, scritta ingreci, contiene circa 260 barzellette suddivise per categorie, risale probabilmente alIV secolo d.C.Inter coxas stat fissura, tam profunda quam obscura, si uteris mentula dura, novavita nascitura

Trapani, 5 giugno 2026  – prof.Antonino Tobia

Il dott. Giuseppe Abbita ha magistralmente argomentato sulla “guerra” come appare attraverso i tragici greci, suscitando numerosi  interventi alla fine della sua relazione. Si riporta qui di seguito un abstract della sua conferenza.

“Euripide fu un innovatore, uno sperimentatore, e non era misogino, come più volte ci è stato descritto: i personaggi femminili più vivi e più veri della tragedia greca sono suoi. Egli dà voce alle donne, alle madri, alle mogli, alle figlie che subiscono le infamie della guerra, guerra che non risparmiale spose e le madri sia dei vinti che dei vincitori, perché Ares cambiavalute non fa distinzioni e cambia esseri umani con cenere. E sono i bambini, i soggetti più deboli ed indifesi, a pagare, da sempre, il prezzo più alto della guerra, di qualsiasi guerra. Gli eroi maschili, nelle tragedie di Euripide, sono decaduti, sono scesi dal piedistallo: a loro non sono richiesti audacia, coraggio, dirittura morale; loro contrassegno sono la vanità, l’impulsività, l’irresponsabilità. Al posto giusto non troviamo gli uomini giusti. Troviamo gente assetata di potere, ipocrita, tornacontista, opportunista. Di uomini, di eroi, in queste tragedie, se ne vedono veramente pochi. Le Troiane di Euripide è la più antibellicista delle sue tragedie, un vero e proprio inno contro la guerra. I disastri della guerra, biaios didaskalos , maestra di brutalità, non hanno mai abbandonato l’umanità, dalla guerra di Troia fino ad oggi, e non conoscono, purtroppo, confini di tempo e confini geografici. Euripide, nel 415 a.C., sceglie di parlare di tutto ciò attraverso gli occhi e le parole delle donne di Troia, prigioniere che stanno per lasciare la loro patria per seguirei greci vittoriosi, in una nuova, sconosciuta terra. La nitidezza della denuncia antibellicista, insieme alla commovente sensibilità poetica, esalta quello che rappresenta uno dei capolavori dell’antico dramma. La tragedia di Euripide, infatti, ci appare oggigiorno sconcertante nella sua crudele diacronicità, poiché gli straziati e sincopati singhiozzi in antilabè, il lamento disperato delle donne troiane, penetra attraversa il guscio dei secoli e riesce ad echeggiare come un canto pan-umano universale contro la guerra e la violenza. Euripide fu testimone di guerra e ne denunciò il suo fascino perverso, la violenza senza controllo e l’imbarbarimento che essa comporta. E così Euripide fa dire ai suoi protagonisti: perché la guerra? Ed anche noi, oggi ci poniamo lo stesso interrogativo: perché la guerra? Perché, l’uomo, folle, preferisce alla pace la guerra? Tra le scene principali lo straziante addio di Andromaca al figlioletto Astianatte, che sarebbe dovuto diventare il re dell’Asia intera, e che invece è divenuto sphàghion, vittima sacrificale per i Greci. “Tu piangi, bambino? Hai dei tristi presentimenti? Perché ti avvinghi a me, ti stringi ai miei pepli, perché ti getti sotto le mie ali come un uccellino ?….O fresco abbraccio carissimo alla mamma, o dolce alito della pelle!…O Greci inventori dibarbare crudeltà, perché uccidete questo bambino che di nulla ha colpa?” I ruoli son qui sovvertiti, addirittura capovolti: la barbara Andromaca accusa i Greci di ‘barbare crudeltà’. Questa apostrofe, pronunciata dalla barbara Andromaca, acquista qui maggiore enfasi e suona come un duro monito nei confronti dei Greci. Nell’ultimo episodio Taltibio consegna ad Ecuba il corpicino di Astianatte. Neottolemo è salpato in tutta fretta ed Andromaca ha chiesto al figlio di Achille, non potendo occuparsene di persona, di affidare alla nonna il corpo del figlioletto per dargli degna sepoltura. Taltibio ha alleviato le fatiche di Ecuba: ha già provveduto, attraversando lo Scamandro, a lavare il corpicino e a detergerne le ferite; e si avvia ora a scavare una fossa che dovrà accogliere le spoglie mortali del giovane principe. Questi atti, che lui attribuisce alla necessità di sbrigarsi e di accelerare i tempi, sono invece dettati da una profonda umanità, da una compartecipe pietà. Taltibio rappresenta l’unico raggio di luce e di speranza in tutta la tragedia: fin quando esisteranno uomini giusti come lui, l’intera umanità non potrà perire. La morte di Astianatte, atto finale prima dell’incendio della città, costituisce il fulcro dell’azione drammaturgica e il momento di condensazione massima del dolore e del lutto. La morte di Astianatte mostra infatti gli effetti estremi della guerra e la sua deriva verso la disumanità. Ma il funerale di Astianatte ricopre anche un ruolo antropologico: dà ordine al dolore, incanalando, verso forme socialmente accettate e controllate dal rito, il tumulto delle emozioni. Il funerale, in altre parole, ha la funzione di smorzare la violenza finora rappresentata e di rassicurare il pubblico attraverso una forma di religiosità rituale, che restituisce l’ordine e allontana l’orrore. I versi di Ecuba di questo episodio sono stati definiti: les plus déchirantes de tout le théâtre greco, i più strazianti di tutto quanto il teatro greco. In questa tragedia Elena, la grande colpevole, non paga le sue colpe; a morire è invece un povero bimbo indifeso, Astianatte. Ma così è la guerra: un assurdo meccanismo in cui a pagare sono solo gli innocenti; e di questo poco importa ai “signori della guerra”, che continuano impunemente a spadroneggiare anche 2500 anni dopo Euripide. Euripide è, tra i più importanti drammaturghi di Atene, quello che meglio ci è stato custodito e sottratto al logorio del tempo.

Egli fu l’unico tragico veramente rivoluzionario, l’unico tragico a schierarsi apertamente contro la guerra e i suoi orrori. Al suo tempo, ce ne voleva di coraggio per presentare Le Troiane in teatro, difendere le donne oppresse e maltrattate, denunciare le guerre imperialiste, infrangere imiti omerici sulla guerra di Troia, prendere in giro gli dei, presentare gli eserciti greci a Troia come una banda di assassini e stupratori, rapitori di donne e di bambini. Euripide osò dire pubblicamente ad Atene che i miti erano falsi e che la saga troiana, ritenuta eroica, era solo fango esangue. Anche la tragedia Elena ha contenuti antibellicisti, ancorchè dissimulati. Euripide, in questa sua tragedia, non va dritto al cuore, non suscita emozioni e pietà, ma si rivolge al pubblico stimolando il pensiero, il ragionamento, il raziocinio, sulla guerra e sulla sua assurdità. Euripide, in questa sua tragedia, accoglie in tutto la tradizione siciliana della Palinodia di Elena di Stesicoro: Elena non fu mai a Troia. A Troia arrivò un εἴδωλον, il suo doppio. Nei lunghi anni della guerra Elena è rimasta nascosta in una terra lontana, in una casa rispettabile, presso un ospite giusto, Proteo, il re dell’Egitto. L’odio per la guerra filtra più o meno implicitamente in quest’opera di Euripide. La sua Elena ha come nucleo centrale l’assurdità di una guerra combattuta per un fantasma, ma più in generale, come in tutte le tragedie di Euripide, vi è una polemica nei confronti della guerra nel suo complesso. Euripide si prefigge l’intento di mettere in discussione, non solo il mito, ma l’intera società nella quale vive: offrendo al pubblico nuovi interrogativi, argomentati in scena dagli stessi personaggi,

Quando gli uomini non sanno riconoscere ciò che è vero rispetto a ciò che appare tale, ma non lo è, nessun loro atto di volontà può procedere con certezza. Grazie a questa favola irrazionale, Euripide può facilmente criticare la guerra, attraverso un vecchio soldato, il commilitone di Menelao, che si rende conto che a causa di questa storia assurda, che sfugge al buon senso, si è sofferto “invano”, mathn, un avverbio che si ripete nei versi 603 e 751. E poi fa dire al coro: Sciocchi cacciatori di gloria in guerra, con la forza delle armi non metterete la parola fine alle miserie della gente. Se il sangue dovrà essere l’arbitro delle vostre contese, se bastasse un gesto di forza a decidere, la discordia non cesserebbe mai di regnare nelle città: violenza dovunque fronteggerebbe violenza. Un accordo si può sempre trovare, ragionando. L’anno 412, anno in cui fu rappresentata la tragedia, cade un anno dopo il disastro della spedizione siciliana, che segna una svolta decisiva nella guerra del Peloponneso. Euripide sembra qui sostenere, prima che sia troppo tardi, una riconciliazione tra Atene e Sparta. In tale contesto l’invocazione alla Pace, contenuta in un frammento del coro del Cresfonte, tragedia perduta di Euripide, si configura come un chiaro messaggio pacifista: “O Eirene, dispensatrice di ricchezza e la più bella tra gli dèi beati, io ho desiderio di te che tardi; temo che la vecchiaia mi coglierà con le sue pene, prima di vedere la tua amabile bellezza e i canti dai bei cori e i conviti ornati di corone. Vieni, o signora, nella mia città, e l’odiosa contesa allontana e la folle discordia cui è gradito l’affilato ferro ”In un’altra tragedia di Euripide assistiamo al coraggio di un vecchio.

Peleo ha perso suo figlio Achille, ed anche suo nipote, Neottolemo, è stato ucciso in un agguato ordito da Ermione, sua legittima moglie, e da Oreste. Per lui è finita, è perduto: non ha più discendenti, non gli restano figli nella casa. E allora un atto di coraggio, un atto di riappacificazione, sì perché per fare la guerra non ci vuole coraggio, il vero coraggio è necessario per fare la pace . Peleo prende le difese della concubina di Neottolemo , di Andromaca, una schiava, e del piccolo Molosso, e dichiara, dopo l’intervento di Teti, che Andromaca sposerà il troiano Eleno e il bastardo Molosso abiterà la terra dei Molossi e i suoi discendenti regneranno felicemente sulla Molossia, di padre in figlio, in modo che non possano perire né la stirpe di Peleo e neppure quella di Troia. E infine, nelle Supplici, queste madri degli eroi caduti contro Tebe che supplicano la restituzione dei corpi per la sepoltura, Euripide chiama la guerra: : “guerra sciagurata”-“rovina dei popoli”- “la follia della guerra”. E poi, perchè la guerra? Così fa dire Euripide nelle Supplici: “Chi per essere capo, e chi per voglia di potere, o per compiere ingiustizia. Chi per amore di ricchezza, e tutti senza badare al danno della gente.”

E, sempre nelle Supplici: “Uomini sciagurati, perché prendete nelle mani le lance e fate stragi, gli uni contro gli altri Basta: cessando i travagli le vostre città custoditele insieme, tutti in pace. La vita è cosa da nulla, viviamola dunque tranquilli.”(vv 949-954) E con un messaggio di speranza e di ottimismo vi voglio stasera lasciare. E dopo aver decritto gli orrori della guerra, il poeta Euripide è latore di un messaggio di speranza. Fa pronunciare infatti a Teseo queste parole:“…disse infatti un tale che nel mondo per l’uomo è ben più forte del bene il male. Ma io contro questi nutro il parere contrario: è più il bene del male per gli uomini. Se fosse più il male, non vivremmo nella luce.” (vv. 196-199)”

Relatore: dott. Calogero Puntrello

 Di seguito, alcune informazioni preliminari sul prurito:

ll prurito può nascere direttamente dalla pelle (cause dermatologiche) oppure essere il segnale di un problema interno dell’organismo (cause sistemiche).

La distinzione è fondamentale perché orienta diagnosi e trattamento

 Cause dermatologiche del prurito

Pelle secca (xerosi)

•             Molto comune in inverno, negli anziani
•             La barriera cutanea si altera, provocando infiammazione.

 Dermatite atopica ed eczemi

•             Prurito intenso, spesso notturno.
•             Chiazze eritemato‑desquamative, lichenificazione da grattamento.

 Dermatite da contatto

•             cosmetici, detersivi, metalli.
•             Può estendersi oltre la zona di contatto.

infezioni cutanee

•             Prurito molto intenso, soprattutto di notte.

Il prurito sistemico è spesso generalizzato, senza lesioni primarie evidenti. Può essere un segnale di patologie interne.

 Cause neurologiche

•             Sclerosi multipla e altre neuropatie possono generare prurito senza eruzione cutanea.

 Disfunzioni tiroidee

•             Sia ipertiroidismo che ipotiroidismo possono manifestarsi con prurito.

Farmaci

•             Molti farmaci possono indurre prurito

 Cause psicogene

•             Ansia e depressione possono amplificare o generare prurito.

È consigliabile rivolgersi a un medico se:

•             il prurito dura più di 4–5 settimane;
•             non ci sono lesioni cutanee evidenti;
•             è molto intenso o disturba il sonno;
•             si associa a febbre, calo di peso, ittero o stanchezza

Di seguito, alcune informazioni preliminari sul prurito:

ll prurito può nascere direttamente dalla pelle (cause dermatologiche) oppure essere il segnale di un problema interno dell’organismo (cause sistemiche).

La distinzione è fondamentale perché orienta diagnosi e trattamento

 Cause dermatologiche del prurito

Pelle secca (xerosi)

•             Molto comune in inverno, negli anziani
•             La barriera cutanea si altera, provocando infiammazione.

 Dermatite atopica ed eczemi

•             Prurito intenso, spesso notturno.
•             Chiazze eritemato‑desquamative, lichenificazione da grattamento.

 Dermatite da contatto

•             cosmetici, detersivi, metalli.
•             Può estendersi oltre la zona di contatto.

infezioni cutanee

•             Prurito molto intenso, soprattutto di notte.

Il prurito sistemico è spesso generalizzato, senza lesioni primarie evidenti. Può essere un segnale di patologie interne.

 Cause neurologiche

•             Sclerosi multipla e altre neuropatie possono generare prurito senza eruzione cutanea.

 Disfunzioni tiroidee

•             Sia ipertiroidismo che ipotiroidismo possono manifestarsi con prurito.

Farmaci

•             Molti farmaci possono indurre prurito

 Cause psicogene

•             Ansia e depressione possono amplificare o generare prurito.

È consigliabile rivolgersi a un medico se:

•             il prurito dura più di 4–5 settimane;
•             non ci sono lesioni cutanee evidenti;
•             è molto intenso o disturba il sonno;
•             si associa a febbre, calo di peso, ittero o stanchezza

Relatore: prof.ssa Adriana Abate Occhipinti

Amedeo Modigliani visse una vita breve, febbrile, segnata da malattia, povertà e un’ostinata dedizione all’arte. La sua parabola biografica è inseparabile dal mito dell’artista ‘maledetto’, ma questo mito – se guardato con attenzione – dice più su di noi che su di lui.

 📜 1. La vita: una corsa contro il tempo

Origini e formazione

•             Nato a Livorno nel 1884, in una famiglia ebrea in difficoltà economiche.
•      
•        Malato fin da giovane (tubercolosi), condizione che lo accompagnerà per tutta la vita.
•             Si forma tra Livorno, Venezia e poi Parigi, dove arriva nel 1906.

Parigi: la fucina

•             Entra in contatto con Picasso, Utrillo, Soutine, Brâncuși.
•             Vive in povertà, spesso sostenuto da amici e mecenati occasionali.
•             Alterna pittura e scultura, ma abbandona quest’ultima per motivi di salute.

Stile e poetica

•             Celebre per volti allungati, collo affusolato, sguardi vuoti: non deformazioni, ma essenzializzazioni.
•             I suoi nudi, sensuali e ieratici, scandalizzarono la Parigi borghese.

Fine tragica

•             Muore nel 1920, a 35 anni, per meningite tubercolare.
•             Il giorno dopo, la compagna Jeanne Hébuterne, incinta, si suicida.

 ⚖️ 2. Il giudizio morale: un terreno scivoloso

Modigliani è spesso giudicato attraverso due lenti:

1.            La vita dissoluta (alcool, droghe, povertà, disordine)
2.   
3.          Il genio artistico (la purezza della sua ricerca formale)

Ma entrambe le lenti

 rischiano di essere ingannevoli.

La sua malattia, la povertà, l’alcool non sono ‘vizi romantici’: sono condizioni materiali e psicologiche di un uomo fragile, in un ambiente spietato.

Giudicarlo moralmente per questo significa confondere la vulnerabilità con la colpa.

Il mito dell’artista maledetto è una costruzione culturale.

Modigliani non crea grazie alla sofferenza, ma nonostante essa.

✔️ Una via più onesta

Un giudizio morale sensato non riguarda la sua condotta privata, ma la sua coerenza artistica:

•             Non ha mai ceduto alle mode.
•             Ha perseguito una forma di bellezza interiore, essenziale, quasi metafisica.
•             Ha trattato i suoi soggetti con una dignità austera, mai caricaturale.

La sua ‘moralità’ è nella fedeltà alla propria visione, non nella sua biografia.

 🧩 3. Modigliani come figura simbolica

Modigliani incarna una tensione altissima:

la bellezza come forma di resistenza all’imperfezione del mondo.

•             I suoi volti senza pupille non sono vuoti: sono aperture.
•             I colli allungati non sono manierismo: sono slancio.
•             La sua vita breve non è fallimento: è intensità.

Il vero giudizio morale, forse, è questo:

ha trasformato la fragilità in stile, la malattia in eleganza, la povertà in essenzialità.

 🔍 Tuna domanda – è più ‘morale’ un artista che vive bene ma crea poco,

o uno che vive male ma lascia un’opera che continua a interrogare il mondo?

Autore Legre

La comparsa della donna nella letteratura italiana è tardiva. Tra il Quattrocento e il Cinquecento si hanno testimonianze di donne che si aprono soprattutto alla poesia, per affidare ai versi le loro ansie, le passioni e i desideri, tutto un mondo sentimentale che le donne, il più delle volte, sono costrette a nascondere nel loro cuore e ad elaborare nella loro mente. La poesia diventa la voce dell’anima, ma esprime anche il livello altissimo della civiltà rinascimentale e il grado di raffinatezza della cultura del Cinquecento, che anche le donne riescono ad assimilare. L’educazione alla poesia è aperta anche alle donne, a differenza degli studi d’impegno culturale elevato. Si tratta, comunque, di poetesse appartenenti all’alta aristocrazia, inserite in un contesto culturale stimolante, che vivono spesso in ambienti frequentati dai migliori intellettuali del tempo. Tre poetesse meritano di essere ricordate per il livello poetico raggiunto.

Isabella di Morra, assassinata dai fratelli all’età di venticinque anni (1546), oggi è letta e ammirata grazie agli studi di  Benedetto Croce, che la considerò una delle voci più autentiche della poesia femminile del 1500. Il Canzoniere che ci ha lasciato è lo specchio delle sofferenze e dei tormenti vissuti all’interno del castello lucano, in cui i fratelli l’avevano segregata e successivamente uccisa.

Torbido Siri, del mio mal superbo, / or ch’io sento da presso il fin amaro, / fa’ tu noto il mio duolo al padre caro, / se mai qui ‘l torna il suo destino acerbo. / Dilli com’io, morendo, disacerbo / l’aspra fortuna e lo mio fato avaro, / e, con esempio miserando e raro, / nome infelice alle tue onde io serbo

Veronica Gambara, vissuta in ambiente rinascimentale, ebbe la fortuna di essere nata in una famiglia impegnata nello studio della cultura umanistica, di cui Veronica fin dall’adolescenza poté fruire. Il petrarchismo, allora di moda, conseguente alla pubblicazione delle Prose della volgar lingua di Pietro Bembo, amico di famiglia, non irrigidì le Rime della Gambara, dentro gli stilemi petrarcheschi, al contrario, la sua poesia è giudicata dai critici tra la migliore produzione lirica italiana. In particolare, il critico Bonora annota che nei versi di Veronica “l’accento moralistico linguistico, che le era naturale, addolciva la sua severità, i pensieri si snodavano con la grazia di un pacato ragionare, cui la lingua nobile ma non artefatta riusciva a conferire un accento aristocratico”.

Il Sapegno, inoltre, attribuisce uno dei posti più alti della lirica del Cinquecento al Canzoniere di Gaspara Stampa, le cui liriche sono un diario ed epistolario insieme delle sue delusioni, delle rare gioie, della sua passione amorosa. Il Canzoniere, “in uno stile aperto, non troppo sostenuto, ma neppure sciatto… svolge una trama di dati psicologici intensamente vissuti in un giro riconoscibile di formule e di immagini”. In pieno Rinascimento le donne hanno privilegiato questa forma letteraria

Dal veder voi, occhi sereni e chiari,
Nasce un piacer ne l’alma, un gaudio tale
Che ogni pena, ogni affanno, ogni gran male
Soavi tengo, e chiamo dolci e cari.

Dal non vedervi poi, soavi e rari
Lumi, del viver mio segno fatale,
In sì fiero dolor quest’alma sale,
Che i giorni miei son più d’assenzio amari.

Quanto contemplo voi, sol vivo tanto,
Limpide stelle mie soavi e liete,
E il resto de la vita è affanni e pianto.

Però, se di vedervi ho sì gran sete,
Non v’ammirate; chè ogn’un fugge quanto
Più può il morir, del qual voi schermo sete.

Vittoria Colonna, una delle figure più eminenti della storia culturale del Rinascimento, ebbe un profondo legame spirituale con Michelangelo e visse intensamente i problemi religiosi del suo tempo. Nei suoi sonetti, secondo il Sapegno “il fascino dell’intelligenza si mescola a quello della grazia e della femminilità”.

S’in man prender non soglio unqua la lima
del buon giudicio, e, ricercando intorno
con occhio disdegnoso, io non adorno
né tergo la mia rozza incolta rima,

nasce perché non è mia cura prima
procacciar di ciò lode, o fuggir scorno,
né che, dopo il mio lieto al Ciel ritorno,
ma dal foco divin, che ‘l mio intelletto,
sua mercé, infiamma, convien ch’escan fore
mal mio grado talor queste faville;

e s’alcuna di lor un gentil core
avien che scaldi mille volte e mille
ringraziar debbo il mio felice errore.

l cammino dell’emancipazione della donna sul piano letterario, prima ancora che su quello sociale e politico, sarà lungo e accidentato. Ancora per secoli, la donna continuerà a coltivare la scrittura come forma personale di monologo diaristico. La maggior parte di esse saranno costrette a scriver di nascosto e a tenere chiusi nei loro cassetti i segreti dei loro cuori e il frutto delle loro riflessioni, per evitare censure e pregiudizi.

 In età romantica si giunge ad una svolta importante:  la donna non è più solo motivo d’ispirazione poetica e musa di poeti e artisti, ma acquista un suo spazio come soggetto che si impone in campo letterario e le sue opere cominciano ad apparire nel mercato editoriale, pur con i limiti imposti dalla sua esclusione dalla partecipazione alla vita sociale e politica. Un fattore altamente discriminante è costituito soprattutto dal fatto che le fanciulle ricevano ancora un livello minimo di educazione. L’analfabetismo femminile registra fino al Novecento un tasso  di gran lunga più elevato rispetto a quello maschile. In Italia nel 1911, l’anno dell’impesa di Libia, in età giolittiana, si registra il 31% di analfabeti fra gli uomini e il 42% fra le donne; nel 1961 queste proporzioni si riducono al 6% fra gli uomini e al 10% fra le donne[1]. A partire dal 1962, quando il Parlamento italiano approva la legge istitutiva della scuola media unica, che estende l’obbligo al quattordicesimo anno di età e unifica tutte le scuole successive alle elementari, si ha un notevole incremento della popolazione scolastica, cosicché si passa, grazie soprattutto alla istituzione di numerose sedi scolastiche in borghi e piccoli paesi periferici, dai 745.514 alunni degli anni 1941- 50, ai 2.433.986 degli anni 1961-65. Tuttavia, si riscontra ancora una notevole differenza tra il numero dei maschi iscritti (1.437.917) e il numero delle femmine (996.067)[2]. La strada dell’equiparazione dei sessi però è ormai tracciata. La scuola media unica, istituita nel 1962, impone alle famiglie di far continuare gli studi dopo le elementari anche alle figlie femmine, che arricchiscono gli anni della loro adolescenza di un grado di socializzazione più ricco d’incontri con docenti laureati e possono meglio scoprire le loro attitudini, competenze e capacità. La frequenza scolastica delle classi della media inferiore apre nuovi orizzonti culturali a studenti e studentesse che cominciano ad incontrarsi nelle classi miste, propone un nuovo modo induttivo di approccio allo studio, diverso dall’apprendimento elementare, incentrato sul cosiddetto sussidiario nozionistico. Le ragazze finalmente non si sentono più solo relegate alle faccende domestiche, dopo aver appreso le nozioni elementare di leggere scrivere e far di conto né a prefiggersi, come obiettivo essenziale alla loro esistenza, il matrimonio, che le conferisce il riconoscimento etico di “angelo del focolare domestico”, e sociale di ancilla domini, cioè assoggettata al marito. Tuttavia, la concezione maschilista, che perdura e si diffonde maggiormente negli anni del regime fascista, continua a rappresentare un limite per la crescita culturale delle donne, perché impedisce loro di pervenire ad una cultura superiore e accademica. Non è un caso se alcune scrittrici come Sibilla Aleramo, Grazia Deledda, Ada Negri, Matilde Serao siano costrette a colmare le carenze letterarie con strumenti approssimativi da loro stesse scelti. Non riescono, infatti, a seguire un regolare corso di studi accademici, e devono fidarsi del loro impegno individuale, fatto di scelte personali, di letture disordinate, per poter dar vita alla propria vocazione artistica, con una tecnica di scrittura più spontanea rispetto ai moduli narrativi maschili e più propensa ad analizzare psicologicamente le esperienze vissute o mediate dalle letture fatte.

La produzione femminile di romanzi nel Novecento è alquanto varia.  Sono molto diffusi a livello popolare i romanzi d’appendice che Carolina Invernizio pubblica nella Gazzetta di Torino. Si tratta di temi che mescolano scene di sentimentalismo romantico a vicende di crudo verismo, adatti ad incontrare il gusto delle lettrici di mediocre cultura. È sufficiente ricordare i titoli di alcune opere come Il bacio di una morta, La vendetta di una pazza, L’orfano del ghetto e altri insistenti sulla medesima tematica.

 Di livello artistico decisamente superiore è la produzione di Matilde Serao, le cui notevoli doti giornalistiche si riflettono nella sua vasta opera narrativa, che comprende una quarantina di volumi. Tra i suoi romanzi, usciti tra il 1890 e il 1900, godono ancora di buona memoria soprattutto Il ventre di Napoli, il cui titolo richiama il romanzo di Zola Il ventre di Parigi e Il paese di cuccagna, in cui la scrittrice dipinge gli ambienti del popolo e della piccola borghesia napoletana, colta soprattutto nella passione per il gioco del lotto, secondo moduli che risentono della produzione naturalistica francese, quella di G. Flaubert e E. Zola. I personaggi femminili, trattati con una finezza d’intuito psicologico, sono spesso “protagonisti di storie dolorose e a volte lacrimose, ma condotte con una dignità di stile non comune nelle opere d’appendice”[3] .

Non è tramontato l’interesse dei lettori contemporanei per il romanzo di Sibilla Aleramo, apparso nel 1907, Una donna. L’opera, respinta all’inizio dagli editori Treves, Baldini & Castodi, riflette un’intensa e sofferta esperienza autobiografica, quella di una giovane provinciale, autodidatta, maritata e presto madre prima di aver raggiunto la maturità. L’autrice trae spunto da fatti vissuti per dar vita alla sua ribellione, sia per denunciare gli ostacoli frapposti dalla società alla emancipazione della donna, sia per affrontare con vivace spirito critico i temi cari all’Unione femminile nazionale, di cui Sibilla era fervida sostenitrice. La vita dell’Aleramo conosce la sofferenza di chi è costretta a inibire la forte carica individualistica, che la spinge a vivere passioni travolgenti, drammatici momenti di gravi delusioni e pesanti difficoltà economiche. Di formazione politica socialista, si rivolge al Duce per essere nominata tra i membri dell’Accademia d’Italia. Il prestigioso consesso culturale, voluto dal duce per controllare la classe intellettuale italiana, non ammette donne e la richiesta della scrittrice viene respinta. L’unica donna ammessa nella Reale Accademia sarà Ada Negri nel 1940, per decisione dello stesso Mussolini, che nel 1931 le ha conferito il Premio Mussolini. Psicologicamente provata, giunta sull’orlo del suicidio, Sibilla trova nella poesia e nella prosa la via per uscire dal male oscuro e scopre che può ritrovare se stessa e riacquistare la sua dignità di donna, oltre che nell’impegno politico, soprattutto nella scrittura. Così, affronta un doloroso percorso interiore, decide di separarsi dal marito e di staccarsi dal suo bambino, al quale dedica Una vita nella speranza che da grande possa comprendere la scelta sofferta dalla madre. In Sibilla, arte e vita creano un binomio indissolubile e, come sottolinea Giulio Ferroni, “in lei ogni problematica intellettuale e culturale si sottopone al fuoco di un’appassionata indagine autobiografica”.

Negli stessi anni la scrittrice londinese Virginia Woolf, considerata una delle principali figure femminili del XX secolo, con i suoi scritti porta avanti la sua lotta per la parità dei diritti tra i sessi. Vengono rigettate le definizioni stereotipate della donna “angelo della casa e custode del focolare domestico”, riconosciute come   limiti imposti dal maschilismo e da un malcelato secolare misoginismo presente in tutte le civiltà, dall’età classica al mondo cristianizzato. Per tanti secoli rimase in vigore l’antica iscrizione funebre latina “D.M.L.F.” (domi mansit lanam fecit), che serviva ad esaltare le virtù domestiche, ancora più se il consorte o il padre  vi aggiungeva casta vixit.

Nel 1926 per le scrittrici italiane avviene un importante riconoscimento di livello internazionale: è l’anno in cui viene assegnato a Grazia Deledda il premio Nobel per la letteratura.

Grazia Deledda nacque a Nuoro mercoledì 27 settembre 1871, quinta di sette figli, da famiglia agiata, borghese, discendente da pastori e agricoltori benestanti.

Il padre, Giovanni Antonio, aveva intrapreso gli studi giuridici fino a diventare procuratore legale. Tuttavia, non svolse mai la professione di avvocato e anziché compulsare i codici preferì dedicarsi al commercio del carbone.

 Grazia  riuscì a frequentare solo le scuole elementari, ma in seguito la famiglia ne curò una preparazione approssimativa, facendo seguire l’adolescente  da un precettore privato. Infatti, la bambina mostrava interesse fin da piccola per tutto ciò che riguardava il mistero della scrittura, in particolare interessava la scolaretta: “ la libreria del signor Carlino, dove si vendono i quaderni, l’inchiostro, i pennini; tutte quelle cose magiche, insomma, con le quali si può tradurre in segni la parola, e più che la parola il pensiero dell’uomo”.

Ebbe modo, in seguito, di approfondire da sola gli studi letterari. 

Nel romanzo autobiografico Cosima, Grazia così ritrae se stessa:

“Piccola di statura, con la testa piuttosto grossa, mani e piedi minuscoli, con tutte le caratteristiche fisiche sedentarie delle donne della sua razza, forse di origine libica, con lo stesso profilo un po’ camuso, i denti selvaggi e il labbro superiore molto allungato; aveva però una carnagione bianca e vellutata, bellissimi capelli neri lievemente ondulati e gli occhi grandi, a mandorla, di un nero dorato e a volte verdognolo, con la grande pupilla appunto di razza camitica, che un vecchio poeta latino chiamò ‘doppia pupilla’, di un fascino passionale irresistibile”. Nello stesso romanzo, la Deledda opera un recupero memoriale della sua casa d’infanzia, quando a lei bambina il mondo che la circondava appariva straordinario. Cosima “pare venuta da un mondo diverso da quello dove vive, e la sua fantasia è piena di ricordi confusi di quel mondo di sogno, mentre la realtà di questo non le dispiace, se la guarda a modo suo, cioè anch’essa coi colori della sua fantasia”. In questa fusione di mondo reale e mondo fantastico si ritroverà sempre il temperamento della Deledda, scrittrice e donna. Lei osserva il mondo in cui è immersa, lo metabolizza, ne toglie i contorni che lo definiscono e lo dilata con la sua fantasia, trasformandolo in favola e sogno.

Grazia Deledda iniziò giovanissima la sua attività letteraria, senza avere acquisito una formazione culturale né scolastica, né tanto meno adeguatamente strutturata. Già adolescente, seguiva la vocazione innata di scrivere, incurante dei mezzi espressivi, con la spontaneità che richiedeva la sua immaginazione e la sua colorita fantasia.

Le novelle pubblicate dall’editore milanese Luigi Trevisini nel 1890, sotto il titolo Nell’azzurro, cominciarono ad interessare intellettuali come De Gubernatis, professore di letteratura italiana, orientalista e glottologo, col quale intessè una lunga e affettuosa corrispondenza epistolare. È un carteggio fittissimo quello tra De Gubernatis e Deledda e lui non è da meno di lei quanto a impegno e coinvolgimento

emotivo. Tuttavia, mentre De Gubernatis conserva gelosamente lettere di lei, di quelle di De Gubernatis non c’è traccia… C’è però una sezione separata del fondo che è composta da buste di carta gialla su cui lo stesso De Gubernatis ha scritto <<carteggio riservato, da aprirsi cinquant’anni dopo la mia morte>>.

Il primo periodo letterario è influenzato dal verismo verghiano e da certo decadentismo rappresentato dal Fogazzaro. Il paesaggio è quello selvaggio della sua Sardegna. Così nella novella Sangue Sardo, la  protagonista  Ela, spinta dal desiderio di vendetta, uccide l’amante che la ripudiata. Lei riconosce i propri limiti e nella prefazione al romanzo Fior di Sardegna prega: i colti lettori del continente di perdonarle gli errori e le imperfezioni, ancora inesperta nell’arte dello scrivere, ma sempre pronta a perfezionarsi col tempo… Ancora non aveva venti anni. Il limite delle sue prime opere che non sempre la scrittrice riesce ad andare oltre l’elemento folcloristico e un certo sentimentalismo portato all’estremo. Nel romanzo La via del male, pubblicato nel 1896, Deledda intraprende il filone analitico –psicologico, che porta i suoi personaggi ad essere vittime dei loro rimorsi, a vivere nel tentativo di una espiazione eterna. Anche Il vecchio della Montagna è un romanzo fondato sui rimorsi e sul travaglio psicologico di chi ha fatto il male .

Due romanzi meritano di essere ricordati perché rivelano una scrittrice più matura e uno stile di prosa nitido, preciso, senza sbavature: Elias Portolu e Canne al vento.

Nel 1889 la Deledda si recò in gita a Cagliari. Qui conobbe il signor Palmiro Madesani, al quale andò sposa l’11 gennaio del 1900. Nel marzo dello steso anno i coniugi si trasferirono a Roma, dove la Deledda continuò la sua vasta produzione letteraria. Il marito, funzionario del ministero delle Finanze, lasciò presto il suo lavoro per diventare l’agente letterario della scrittrice. Di questo sodalizio matrimoniale era invidioso Luigi Pirandello, che apprezzava la scrittrice ma non accettava il ruolo che il marito si era ritagliato accanto a sua moglie. Espresse questa sua invidia, dettata anche dall’infelicità del suo matrimonio, scrivendo un romanzo: Suo marito. Era anche invidioso che la Deledda nel 1926ebbe conferito il Premio Nobel per la letteratura, il secondo che veniva assegnato ad uno scrittore italiano dopo quello conferito al Carducci nel 1906.  Solo nel 1936 a Pirandello sarà conferito il premio Nobel. Grazia Deledda ebbe due figli maschi, Sardus e Francesco nati nel 1901 e nel 1904. Il 15 agosto del 1936 Grazia Deledda muore, dopo essere stata operata di cancro al seno, col quale riuscì a convivere per 10 anni. Sepolta a Roma nel cimitero di Varano, le sue spoglie furono trasferite nel 1959nella chiesa della Madonna della Solitudine a Nuoro, sua città natale.

 Libera Università Tito Marrone  20.2 2026          prof. Antonino Tobia

[1] Cfr. E. Sullerot, in Enciclopedia del Novecento, Istituto della Enciclopedia italiana Treccani, vol. II, MI  1977, p. 212

[2] Cfr. G. Canestri/G. Ricuperati, La scuola in Italia dalla legge Casati a oggi, Loescher, Torino  1981, p. 420

[3] G. Freddi – A. De Ferrari, La letteratura, Ghisetti e Corvi editori Milano, vol. 3 tomo II, 2004, p. 126